La ruptura de la mirada, Picasso y Braque
Las señortitas de Aviñón
En este cuadro podemos ver a unas mujeres desnudas que se atribuyen como prostitutas retratadas. Algunas parecen llevar o evocar máscaras africanas. Se cree que era el miedo que tenía Picasso a las enfermedades de transmisión sexual.
Por otro lado, rompe totalmente con la perspectiva del retrato propiamente dicho , donde se conviven diferentes perspectivas espaciales de las retratadas, están todas de pie, pero sus posturas son recostadas. Miradas al frente aún estando de perfil. Cuando lo ves por primera vez, provocan desazón en comparación de cómo era los retratos renacentistas, especialmente los retratos de mujeres desnudas.
Fue pintado en 1907, cuando Picasso estaba en transición desde su periodo rosa a su periodo africano. De ahi pasaria al cubismo analitico. En su época rosa retrata a arlequines, cómicos callejeros y por supuesto también prostitutas.
Lo que importa en esta pinturas es el concepto o idea último, no tanto la forma ni a percepción, de ahí a que se despersonalicen a meras formas en el cuadro. El espacio libre no existe donde colocar a las 5 mujeres, son por el contrario los espacios generados entre ellas lo que genera el espacio, jugando con los planos y aristas de los personajes.
El punto principal de Les Demoiselles d’Avignon fue desafiar las suposiciones normales del espectador. Los gigantescos desnudos intrusivos, la ausencia de perspectiva, la naturaleza desconectada del grupo, la yuxtaposición de caras normales con caras enmascaradas, el hecho de que los cinco parecen detenerse en el tiempo: todo esto contribuyó al caos caleidoscópico y al sentido pictórico, anarquía. Incluso el pequeño cuadro de frutas (parte inferior central), el primer indicio del interés de Picasso en la pintura de bodegones, parece estar cayendo de un fragmento de un tazón hacia arriba. La imagen fue un acto revolucionario contra la tiranía del arte del Renacimiento, cuyos principios dominantes de la perspectiva, el sombreado, el color y la composición tuvieron que ser destruidos para introducir nuevas formas de representar la realidad.
Volumen y espacio. Planteamientos cubistas de base. Impacto posterior.
Por otro lado Picasso (y Braque y tantos otros) va más allá, rompen la idea de espacio y dimensión. Son los intervalos entre los elementos con sus formas y aristas los que general el espacio. Las formas conforman el espacio y no al revés. Los colores no se corresponden con la realidad y el fondo está totalmente fragmentado.
En el post-impresionismo ya se había iniciado la destrucción del espacio y perspectivismo heredados (y creado) en el renacimiento y por otro lado la presentación realista o naturalista de las formas.
El cubismo incorpora el tiempo en un momento, porque ningún momento es un congelamiento de la realidad. El cubismo refleja la fluidez de la conciencia.
Surgieron movimientos que fueron inspirados y derivados del cubismo. El futurismo en Italia y el vorticismo en Inglaterra, por ejemplo. Las superficies inconexas del cubismo sintético inspiraron a los artistas abstractos, por su énfasis en la forma y el color, y a los surrealistas, por sus yuxtaposiciones de elementos dispares.
Los cubistas buscaban mostrar la realidad, aunque se fueron acercando a la abstracción.
Aunque había muerto antes de que comenzara el movimiento, Cézanne fue una especie de protocubista. Sus naturalezas muertas, retratos y paisajes redujeron las formas de lo que observó en formas y planos aplanados.
Uno de los problema fue que cuantos más elementos de la realidad se incorporan en sus pinturas, más se difuminaba o oscurecía la claridad de la estructura espacial. Hablamos de las numerosas perspectivas representadas, los juegos de luces sombras….
Todo esto se hacía para representar de la manera más clara esa realidad que les rodeaba. Según se iban añadiendo elementos, más se iba alejando de la representación de la realidad.
El concepto en sí me atrae mucho, porque es una manera de trabajar la introspección mental de uno mismo y expandirse. Expandirse de una manera única en cada uno de nosotros. Por otro lado lo consideraría como el barroco de la representación de la realidad más real donde la línea entre abstracción pura (pérdida total de la concepción de semejanza con la realidad) es extremadamente fina.
No firmaban las primeras obras
Los cubistas, al menos Picasso y Braque consideraban la obra como una idea pura, separada del talento artístico personal. Un voluntaria despersonalización del acto de pintar.
Además el espectador forma parte activa de la obra ya que como observadores somos partícipes de volver a reconstruir esta realidad. Somos un todo, pintura, artista y espectador, donde la idea es el fin último, y esa idea es dinámica y cambiante. Depende del espectador y del momento.
Y os dejo con una frase de Picasso:
« Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta ».
Incluir letras y palabras estarcidas en las pinturas. Revolucionario.
Esa supuesta legibilidad es además abierta, ya que eran sólo detalles, pero puestos ahí con propósitos y para dar un mensaje. Esto daba pie a poder hacer críticas sociales o juegos de palabras abiertas siempre al espectador.
Además todo ellos cumpliendo unas de las máximas del cubismo, que es hacer de la pintura una experiencia dinámica y única para cada espectador. Ya que con el cubismo no obtenemos el tipo de retrato tradicional donde los ojos te siguen por la sala, no obtenemos lo que algunos historiadores del arte han llamado el «culto de la interioridad», donde el «alma» del sujeto se transmite a través de la semejanza en el lienzo.
¿Hablamos?
Siempre abierta a escuchar nuevos proyectos.
